Di Rosaria La Rocca

Il direttore del Museo Archeologico di Napoli è stato menzionato da Artribune come ‘Miglior direttore d’Italia’ per la sua capacità di reinterpretare l’antico in chiave moderna. «Il Mann un luogo di incontro e l’arte è l’elemento aggregante».

Sul podio dell’arte si parla napoletano, o quasi. A scalare la classifica stilata da Artribune come ‘Miglior direttore dell’anno’ è Paolo Giulierini, toscano di nascita, napoletano d’adozione, direttore del  Museo Archeologico Nazionale di Napoli (MANN) che già nel 2017 aveva conquistato il titolo di ‘Miglior museo italiano’.

«È una profonda gratificazione per me e il mio staff. Vuol dire – spiega Giulierini – che la nostra esperienza di gestione sta percorrendo la strada giusta».

E in effetti ad aver convinto Artribune è stata proprio la capacità del direttore di “riattivare in chiave contemporanea l’antico è una sfida difficile e importante e il Direttore sta portando avanti con grande audacia un programma di modernizzazione, esemplare per istituzioni analoghe” si legge nelle motivazioni.

D’altra parte è innegabile la profonda trasformazione che ha vissuto il Museo archeologico cittadino negli ultimi anni.

Consapevole della grande eredità avuta in gestione e con una precisa visione manageriale, dal 2015 il direttore persegue con grande tenacia un lavoro che se dal un lato conferma il MANN come uno dei custodi più importanti dell’arte classica in Italia e nel mondo, dall’altro lato, sta conquistando l’immagine di un museo all’avanguardia.

Rinnovare l’identità del museo è il principio cardine della sua gestione «partendo dalla definizione di un piano strategico, per il quale il MANN è indicato come uno dei primi musei statali autonomi a dotarsi di uno strumento di programmazione pluriennale» aggiunge il direttore Paolo Giulierini. «Stiamo lavorando alla restituzione di un’identità ad un luogo che riprende quell’autonomia e quella personalità che per circa un secolo era stata offuscata».

In un contesto ancora fortemente tradizionale, nell’ambito della tutela dei beni culturali lei sostiene concetti come l’innovazione e l’avanguardia. Qual è la sua idea di museo?

Il museo dovrebbe essere riconosciuto come luogo di presidio definito dall’identità culturale e cittadina. E, se per un attimo volgiamo lo sguardo al mondo classico quando l’agorà era il cuore pulsante della polis, oggi, il museo potrebbe essere inteso un luogo di incontro dove l’arte è l’elemento di aggregazione.

Per la sua millenaria collezione il MANN si definisce museo “antico”, mentre la gestione naviga verso la sua modernizzazione. In che modo sta provando a conciliare questi due aspetti?

La sfida più importante è proprio quella di creare un legame tra l’antico e il contemporaneo. Come è possibile questo? Parlando del presente e del futuro attraverso l’arte del passato. A tal proposito mi piace ricordare la mostra MANN@Hero – Gli eroi del mito dell’antichità a Star Wars che il museo ha ospitato dal 4 maggio al 31 luglio 2018. Abbiamo piacevolmente appurato che la saga di Star Wars si ispira alla mitologia e ai valori delle civiltà antiche, e alcuni temi come il lato oscuro, la luce, gli eroi si riflettono in molte opere d’arte esposte nel nostro museo. La correlazione tra l’antico e il moderno è stata stabilita avvalendoci anche delle forti capacità comunicative insite nei nuovi linguaggi del mondo digitale. Un esempio è il videogioco Father and Son, per il quale oggi è il primo museo al mondo ad aver creato un videogioco.

Volendo fare un bilancio dal 2015 ad oggi, quali sono stati per lei gli esiti positivi?

Oggi tra il museo e la città si avverte un rapporto ben più saldo di prima. Un obiettivo dunque che abbiamo ottenuto lavorando sul tema dell’accessibilità del pubblico sia dal punto di vista fisico e sia cognitivo, e credo che una conferma arrivi proprio dai numeri: nel 2018 abbiamo raggiunto la soglia di 600mila visitatori. Nel 2019 il MANN ha recuperato il 40% delle sue collezione con la riapertura al pubblico di nuove sezioni, sperando di riportarlo presto a circa 100 anni fa quando per l’immensità del suo patrimonio artistico viveva la sua massima espansione. Infine, ma non per ultimo i rapporti che stanno diventando sempre più forti con l’estero. La nostra strategia prevede non più un rapporto passivo di semplice ente prestatore, bensì un rapporto attivo e propositivo.

Momenti importanti si sono susseguiti in questi anni ma cosa ha rappresentato l’arrivo della Testa del cavallo Carafa al MANN?

L’opera di Donatello, posta all’ingresso del museo, simboleggia il periodo del Rinascimento a Napoli e conferma l’attenzione che Napoli ebbe verso l’antico e i suoi valori prima dell’arrivo del re Carlo di Borbone. Il MANN dunque guadagna almeno due secoli di riflessioni sul mondo classico. Proprio per questo motivo che la Testa del cavallo Carafa sarà a Matera, capitale della cultura nel 2019, come protagonista indiscussa della prima mostra dedicata al rinascimento nel Meridione. È un momento importante perché conferma che Napoli progressivamente anche attraverso il nostro lavoro sta recuperando quella centralità culturale che ha avuto fino alla fine del ‘700.

Cosa succederà in questo 2019?

Sarà un anno importante per il MANN. Abbiamo in serbo grandi mostre su Canova, gli Assiri fino a Thalassa. Apriremo delle nuove sezioni, una dedicata alla Magna Grecia e un’altra alla Preistoria. E nuovi spazi rientreranno nel percorso espositivo come il terzo giardino della Vanella. Il nostro lavoro continua!

di Ludovica Criscitiello

Se Giacomo Leopardi potesse parlare oggi sicuramente ringrazierebbe l’amico fidato Antonio Ranieri per aver destinato nel 1907 i manoscritti, che il poeta gli aveva regalato, alla Biblioteca Nazionale di Napoli. O forse chissà lo ha già fatto, magari in una nota ai margini di un libro proprio come quelle che appena un anno fa alcuni studiosi hanno rese note, dopo un lungo lavoro di analisi sui manoscritti donati dal filosofo all’amico. Si tratta di un tesoretto di trentotto pagine inedite, che si aggiungono a quelle già conosciute, contenenti un elenco di 517 annotazioni bibliografiche scritte a Recanati tra il 1816 e 1817, di tutti i libri che il poeta avrebbe voluto leggere, corredate dei suoi commenti.

Una scoperta che non ha fatto altro che accrescere il fascino della Biblioteca. Uno dei gioielli del capoluogo partenopeo di cui spesso ci si dimentica ma che, con i suoi due milioni di volumi, tra manoscritti e periodici rappresenta una dei maggiori centri di raccolta e valorizzazione della cultura meridionale. Entrare in questo posto vi permetterà di fare un vero e proprio viaggio nel tempo, tra il profumo di libri antichi e carta stampata, quello che ormai nell’era 2.0 di internet è quasi impossibile ritrovare. Merito delle numerose collezioni che nel corso negli anni hanno ampliato il corpus librario della Biblioteca che occupa il lato est del Palazzo Reale, dopo aver lasciato nel 1784 la prima sede del Palazzo degli Studi, dove invece oggi ci accoglie il Museo Archeologico. Parliamo di collezioni che provengono da biblioteche private, lasciti di personaggi facoltosi e addirittura di manoscritti appartenenti a ordini religiosi o a monasteri ormai soppressi. Uniche e preziose testimonianze di epoche e tempi lontani, quasi come un “cimitero dei libri dimenticati”, per dirla alla Carlos Ruiz Zafón, autore dell’Ombra del vento. Ma non parliamo solo di un luogo dove consultare libri di tutte le epoche – anche se solo questo potrebbe bastare a soddisfare ogni aspettativa – bensì anche di un luogo ricco di arte. Già perché la Biblioteca si trova in quella parte del palazzo occupata inizialmente dagli Appartamenti dei Principi che vi introdurranno, attraverso un imponente scalone marmoreo, un tempo percorso proprio dalle regali maestà, in sale piene di affreschi con allegorie e scene mitologiche notevoli di artisti come Giuseppe Cammarano e Camillo Guerra. Un consiglio spassionato: date un’occhiata alla Venere che sorge dalle acque. Sembra quasi seguirvi con lo sguardo lasciandovi stupefatti.

Di Francesca Saccenti

Al via la mostra dedicata al pittore russo alla Basilica della Pietrasanta – Lapis Museum di Napoli dal 15 febbraio al 30 giugno. 

C’è una donna vestita di rosso che si spoglia al chiaro di luna, la mano di un uomo l’accarezza con passione. Dietro le sagome, maschere dai tratti forti e dai colori decisi, un grande asino blu assiste alla scena di passione, proteggendo la coppia di amanti. Les amoureux à l’âne bleu (Gli innamorati con l’asino blu) è una delle opere più emblematiche di Marc Chagall (1887-1985), il pittore russo naturalizzato francese, che attraverso i suoi quadri racconta i sentimenti più nascosti dell’animo umano. Volti femminili in grado di sfidare la forza di gravità, che si ispirano a sua moglie Bella, clown con mazzi di fiori, figure mitologiche che appartengono al nostro subconscio descrivono un mondo magico, in cui il limite spazio-temporale si annulla e il confine tra sogno e realtà diventa sempre più labile. Oggi le sue tele immortali approdano a Napoli, all’interno della mostra Sogno d’amore, curata da Dolores Duràn Ucar, nella cornice della Basilica della Pietrasanta – Lapis Museum dal 15 febbraio al 30 giugno. Le 150 opere, che ripercorrono la traiettoria artistica del pittore dal 1925 fino all’anno della sua morte nel 1985, tra dipinti, disegni, acquerelli e incisioni, sono un vortice di sfumature, un mélange di sacro e profano. I ricordi della sua giovinezza si fondono con la scomposizione delle forme, la cultura russa con i popolari lubok (racconti e notizie sotto forma di vignette provviste di didascalie  per  informare il popolo e gli analfabeti) si unisce all’arte occidentale nei sofisticati tratti di Rembrandt, mentre dai manoscritti della cultura ebraica l’autore “ruba” gli elementi espressivi. Il percorso è diviso in sei sezioni tematiche (Infanzia; Sogni e Fiabe; Il mondo sacro la Bibbia; Un pittore con le ali da poeta; L’amore sfida la forza di gravità), che non seguono un ordine cronologico, ma descrivono le diverse fasi e le suggestioni dell’artista. A regnare sovrani sono i ricordi, i primi giorni di scuola, le estati trascorse a Lëzna, le visite alla sinagoga e i personaggi del circo, tanto amato per la sua atmosfera bohémien e la sua immagine di libertà. Nell’opera Villaggio Russo del 1929 viene dipinta la cittadina d’origine dell’autore Vitebsk, in Bielorussia. Il cielo scuro dà vita a una atmosfera misteriosa, sospesa nel tempo. Per strada non c’è nessuno, solo un vitello che vola in cielo con la slitta, sullo sfondo dei tetti innevati delle case. Gli animali per Chagall sono parte della sua infanzia e danno vita a un immaginario magico che lo avvicina alla fantasia e all’ironia dell’autore francese del Seicento Jean de La Fontaine, di cui illustra le favole. Altro tema fondamentale, che viene ripreso più volte durante la sua carriera artistica e che lo tocca profondamente, è la religione: Chagall durante la seconda guerra mondiale si rifugia negli Stati Uniti dal 1941 al 1948, per evitare di essere deportato dai nazisti. In ventiquattro scene, racconta la storia del popolo ebraico, che con l’aiuto di Dio e guidato da Mosè fugge dalla schiavitù a cui è stato sottoposto in Egitto, per raggiungere finalmente la terra promessa. Mentre tra gli anni ’70 e ’80 dipinge En route, l’âne rouge (In cammino, L’asino rosso) e David et Goliath (Davide e Golia) opere dal forte carattere. 

La mostra organizzata e prodotta dal Gruppo Arthemisia, dopo il successo di quella di Escher al Pan, inaugura anche un’importante “prima volta”: l’associazione culturale devolverà una parte del ricavato a progetti di utilità sociale grazie al contributo dei visitatori che potranno seguirne passo dopo passo l’evoluzione. «È una formula nuova – spiega Iole Siena, presidente di Arthemisia – che vogliamo sperimentare partendo dalla mostra di Napoli per poi esportarla in tutto il mondo. Ci ripromettiamo di portare un po’ di bellezza anche nella vita delle persone meno fortunate. Siamo certi che il nostro pubblico amerà partecipare a questo grande progetto al nostro fianco». 

Biografia Marc Chagall 

La vita del pittore Marc Chagall, (Vítebsk, Russia, 1887 – Saint-Paul-de-Vence, Francia, 1985) è stata segnata da importanti eventi storici della prima metà del XX secolo. Nato nel quartiere ebraico di Vitebsk, raggiunge la perfezione plastica a Parigi, dove viene apprezzato dai più grandi poeti e artisti surrealisti. A causa della prima guerra mondiale e della rivoluzione bolscevica, dopo alcune esperienze in Francia, resta nel suo paese fino al 1922 dove fonda un’Accademia d’Arte e dipinge per il Teatro ebraico di Mosca. Torna presto a Parigi, città in cui la sua fama di pittore e illustratore ha inizio. Durante la seconda guerra mondiale, si rifugia negli Stati Uniti dal 1941 al 1948 per evitare di essere deportato dai nazisti. Nel 1944 la moglie Bella muore inaspettatamente e l’artista smette di dipingere per qualche tempo. Nel 1948 torna in Francia, questa volta a Nizza e Saint-Paul-de-Vence, dove muore nel 1985.